Танець Античності. Танець Стародавньої Греції. Зв'язок танцю із міфологією. Терпсихора. Релігійні, громадські та театральні танці. Танці у давній греції Коли з'явилися танці у давній греції

Свідчення - у скульптурі та у вазовому живописі, у творах поетів, письменників, художників. Поділ на учасників та глядачів, вільних у своєму бажанні - танцювати чи не танцювати, дивитися чи не дивитися. Ритуальне почало витіснятися тілесним, розважальним. Все життя Греції пронизане евритмією. Танці входили до освітніх дисциплін, продовжували навчатися і дорослі люди, повноправні громадяни. Танці – для глядачів, а не для задоволення пострибати та не для власної розваги. Деяку танцювальну техніку мали всі громадяни. П'ять груп: войовничі танці - ритуальні та освітні; культові помірні - еммелія, танець покривал та танці каріатид, а також танці при народженні, весільні та похоронні; оргіастичні танці; танці громадських свят та театральні; танці у побуті. Священні танці відбивали певні дні трудового календарного року. Два основні танцювальні культи: "світлий" на честь бога Аполлона і "темний" на честь бога Діоніса. Військові танці в Стародавній Греції грали велику роль у вихованні мужності, патріотизму, почуття обов'язку у юнацтва ("пірріхій", "пірріха") Суспільно-побутові танці (домашні, міські, сільські) супроводжували сімейні та особисті урочистості, міські та загальнодержавні свята. Сценічні танці Др.Гр. були частиною театральних вистав, причому кожному жанру відповідали свої танці: для трагедії характерна еммелія, комедії - кордак, для сатиричної драми - сикканида. Танець покривав та танець каріатид. Сікканіда Кубики – акробатичні танці. Міна міма.

Техніка танцю Х. Лимона.

Хосе Аркадіо Лімон народився 12 січня 1908 року в мексиканському місті Куліакан і був старшим із дванадцяти дітей у сім'ї. У 1915 році, у віці 7 років, разом з батьками емігрував до США, Лос-Анджелеса.

Після закінчення середньої школи імені Лінкольна, Лімон вступив до Каліфорнійського університету в Лос-Анджелесі на факультет образотворчого мистецтва. У 1928 році переїхав до Нью-Йорка, де почав навчатися в Нью-Йоркській школі дизайну. У 1929 році, побачивши виступ учнів Рудольфа фон Лабана Харольда Кретцберга та Івонн Джорджі, Лімон зацікавився танцем.

Почавши займатися в школі Доріс Хамфрі] та Чарльза Вейдмана, вже через рік він дебютував на Бродвеї. Тоді ж Лимон вперше пробує свої сили як хореограф: для себе та Летиції Айд він ставить «Етюд ре мінор», «масовку» зображають його однокласниці Елеонора Кінг та Ернестіна Стоддел.

Протягом 1930-х років Лимон танцює в трупі Хамфрі-Вейдмана, беручи участь у постановках Доріс Хамфрі та Чарльза Вейдмана, а також працює на Бродвеї: у 1932-1933 роках він виступав у ревю «Американа» та в мюзиклі Ірвінга Берліна As Thousands Cheer(Хореографія Чарльза Вейдмана), як хореограф співпрацював з театром «Новий Амстердам».

У 1937 році Лимон брав участь у програмі танцювального фестивалю Беннінгтона. На фестивалі 1939 року, що проходив у коледжі Міллз], він створив свою першу велику хореографічну роботу – «Мексиканські танці» ( Danzas Mexicanas).

Наступного року Лимон солює у ревю «По газонах не ходити» (хореографія Джорджа Баланчіна).

У 1941 році він залишає трупу Хамфрі-Вейдмана заради співпраці з Май О'Доннелл]. Разом вони поставили такі роботи, як War Lyricsі Curtain Riser, проте потім він повернувся до Хамфрі та Вейдмана. Приблизно в цей час він зустрівся з Полін Лоуренс - вони одружилися 3 жовтня 1942 року. У тому ж році разом з Мері-Еллен Моїлан Лімон танцював у мюзиклі «Розалінда» (хореографія Джорджа Баланчіна), яке стало останнім шоу на Бродвеї за його участю.

Потім створював номери на класичну музику і на фольклорну тематику в театрі «Студія», поки в квітні 1943 року не був призваний до Спеціальної служби Армії США], створеної в 1940 спеціально для підтримки солдатського духу під час війни. За час служби співпрацював з такими композиторами, як Френк Лессер та Алекс Норт], створив кілька постановок, найвідомішою з яких є Concert Grasso.

Після закінчення військової служби у 1946 році Лимон отримав американське громадянство.

В 1947 Лимон створив власну трупу - Танцювальну компанію Хосе Лимона ( José Limón Dance Company), художнє керівництво якої він запропонував Доріс Хамфрі (таким чином, трупа Лимона стала першою компанією сучасного танцю США, художній керівник якої не був водночас її засновником). Трупа, серед танцівників якої були Паоліна Конер, Лукас Хоуїнг, Бетті Джонс, Рут Карріер і сам Лімон Хосе, дебютувала на фестивалі в Беннінгтон-коледж у постановках Доріс Хамфрі Lamentі The Story of Mankind.

Танцюрист та хореограф Луї Фалко також танцював у трупі між 1960-1970 рр., а в 1974-1975 рр. виступав у «Павані мавра» постановки Хосе Лимона разом із Рудольфом Нурєєвим. Під час спільної роботи з Хамфрі Лімон розробив репертуар і заклав принципи власного стилю. 1947 року трупа дебютувала в нью-йоркському театрі Belasco Theatre з постановкою Хамфрі «Day on Earth». У 1948 році трупа вперше виступила на заході «Американський танцювальний фестиваль Коледжу Коннектикуту», і впродовж багатьох років брала в ньому участь. Після постановки "Павана мавра", Лимон отримав щорічну премію від журналу "Dance Magazine" за визначну хореографію. Навесні 1950 року Лимон та його трупа виступили у Парижі разом із Пайдж Рут, ставши першими представниками американського сучасного танцю у Європі. Протягом життя Лимона його трупа об'їхала з гастролями весь світ та продовжила діяльність після його смерті.

У 1951 році Лимон вступив на факультет Джульярдської школи, де було створено новий напрямок танцю. Він також ухвалив запрошення Національного інституту образотворчих мистецтв Мехіко, для якого створив шість постановок. У період між 1953 та 1956 роками, Лимон поставив хореографію та виконав ролі у шоу Ruins and Visionsі Ritmo JondoДоріс Хамфрі. У 1954 році трупа Лимона стала однією з перших студентської обміну Державного департаменту США, що скористався Міжнародною програмою, і відвідала з гастролями Південну Америку. Незабаром вони вирушили у п'ятимісячне турне Європою, Близьким Сходом, і, знову ж таки, Південною та Центральною Америкою. У цей час Лимон отримав свою другу премію журналу Dance Magazine.

1958 року померла Доріс Хамфрі, який усі роки була художнім керівником трупи, і Хосе Лімону довелося самому зайняти його місце. Між 1958 та 1960 роками були спільні постановки з Поаліною Конер. У цей час Лимон отримав почесний докторський ступінь від Уесліанського університету. 1962 року трупа виступила в Центральному парку на відкриття нью-йоркського Шекспірівського фестивалю. Наступного року, під егідою Державного департаменту США, трупа здійснила дванадцятитижневу поїздку на Далекий Схід, зігравши у постановці The Deamon, музичний супровід якої належав композитору Паулю Хіндеміту. Хіндеміт особисто провів прем'єру.

1964 року Лимон отримав премію фірми Capezioта був призначений художнім керівником Американського театру танцю у Лінкольн-центрі. Наступного року, Лимон з'явився у національній освітній телепрограмі, яка мала назву «Театр танцю Хосе Лимона». Через кілька років, він заснував «Танцювальний фонд Хосе Лимона», і отримав ще один почесний докторський ступінь від Університету Північної Кароліни. У 1966 році, після виступу з трупою у Вашингтонському кафедральному соборі, Лимон удостоївся державної субсидії у розмірі 23 тис. доларів США від Національного фонду мистецтв. Наступного року Лимон працював над хореографією у постановці Psalm, що принесло йому звання почесного доктора Коледжу Колбі Він та його трупа були також запрошені виступити у Білому домі для президента Ліндона Джонсона та короля Марокко Хасана II. Останній виступ Хосе Лимона на сцені як танцюрист відбувся в 1969 році, коли він виконав ролі в постановках The Traitor і Павана мавра Бруклінської академії музики. У цьому ж році він виконав ще дві роботи та отримав почесний докторський ступінь від Оберлінського коледжу.

За всіх часів танець був невід'ємною частиною побуту людей і всього життя загалом. Він супроводжував людину і в радості, і в горі, створюючи той настрій, який був необхідний. Звісно, ​​танці за часів античності дуже відрізнялися від сучасної хореографії. Але варто зауважити, що увага їм у давнину приділялася не менше, ніж у наші дні. Наприклад, у Стародавній Греції танець вважався справжнім безцінним подарунком богів. Давньогрецькі танцювальні композиції були втіленням єдності тілесної та душевної краси, незалежно від епохи. За допомогою таких па під акомпанемент прекрасної мелодії люди могли торкнутися Божественного хоч на мить. Людина античності дуже суворо відчувала гармонію земного і Божественного і намагалася знайти її у собі й у навколишньому світі.

Античні танці

Поєднання особливих рухів рук та ритмічного кроку створювало античний танець. Хореографія Стародавньої Греції відрізнялася досить суворим дотриманням ритму, який надавав фантастичну «правильність» всієї дії та створював неповторне видовище. Танцювати у Стародавній Греції вміли практично всі, адже навчальна програма у школах передбачала обов'язковий урок танців. Концепція давньогрецького танцю полягала у красі, гармонійності та витонченості кожного руху. Кожне з па повинно виражати почуття та справжні емоції танцюриста.

Різновиди давньогрецького танцю

У Стародавній Греції танці були досить різноманітними і мали різний зміст - від простого і банального до смислового та серйозного. Усі дві сотні хореографічних постановок можна розділити на п'ять умовних груп, а саме: цивільні, сценічні, домашні, обрядові та священні. Останні здебільшого присвячувалися Афіні, Афродіті та Діонісу. Найяскравішим представником цивільних танців був пірріха, тобто військовий танець із застосуванням зброї, який імітував різні прийоми бою.

Військові танці використовувалися не для веселощів, а для виховання почуття обов'язку, бойового духу, який був необхідний у битвах. Військові танці відрізнялися досить складними постановками та насиченістю різноманітністю рухів. Крім усього іншого, у подібних діях часто використовувалися різні предмети: списи, мечі, дротики, смолоскипи, щити, луки та ін.

Особливою хитромудрістю та неординарністю відрізнялися давньогрецькі сценічні танці, які окремо створювалися під кожен жанр театралізованих вистав. Заснувався такий танець на створенні особливого такту, який відбивався ногами за допомогою спеціальних дерев'яних чи залізних сандалів. Доповненням усієї хореографічної постановки служили кастаньєти з устричних раковин, які вдягалися на середні пальці.

Міністерство культури України

Харківська державна академія культури

Кафедра сучасної хореографії

Контрольна робота

По курсу «Історія хореографічного мистецтва»

На тему: Танцювальне мистецтво країн Стародавнього Світу.

Виконала:

Студентка заочного відділення

Факультет хореографічного мистецтва

Група 5С

Василенка Вікторія

Перевірила:

Старший викладач Курдупова О.М.

Вступ

Танцювальні жанри Стародавнього Світу

Стародавній Єгипет

Стародавня Індія

Стародавня Греція

Древній Рим

Висновок

Список літератури

Вступ

Танець – один із найдавніших видів мистецтва. Стародавні форми танцю зародилися ще процесі практичної трудової діяльності: процес праці виявив значення ритму, руху, підлеглі ритму, породили танець, що є однією з ранніх проявів цієї культури.

Про широке поширення танцю та танцювальної музики за часів стародавнього світу свідчать безліч джерел, такі як: міфи, епос, зображення та дані археології. Так, описи давньогрецьких танців можна зустріти у Аристотеля, Філострата, у трагедіях Есхіла, Софокла, Евріпіда, у комедіях Арістофана та ін; цілий трактат "Діалог про танець" написав Лукіан. Про танці римлян писали Цицерон та Горацій. У другій половині I в. до н.е. одержав теоретичне обґрунтування індійський класичний танець, що свідчить про високий рівень його розвитку. Найбільш древній з індійських трактатів «Натьяшастра» («Наука про театр», прибл. I ст. до н.е.), що збереглися, розглядав проблеми танцю, музики і в тісному взаємозв'язку з проблемами драми.

Про характер танців тих часів розповідають і численні зображення танцівників та танцівниць на барельєфах, у вазописі та скульптурі.

У стародавніх цивілізаціях танцю та музиці належала велика суспільна та ідеологічна роль. Багато згадок про танці міститься в Біблії (наприклад, у оповідях про царя Давида, який «скакаш і танцював»). Як і музика, танець нерідко отримував космогонічне трактування, глибоке філософське осмислення, розглядався як розкриття суті речей. Музиці та танцю надавався відтінок винятковості, недоступності, а походження танцю вважалося божественним. У Стародавній Індії танець нерідко називали танцем богів. Згідно з індуїзмом, творцем та першим виконавцем їх був бог Шива. У своїй іпостасі Натарадж він, виконуючи космічний танець, знищив у Всесвіті все старе і одночасно відкрив новий цикл життя. У Стародавній Греції різноманітні танцювальні форми тісно пов'язані з культом бога Діоніса: обряди, ходи та обряди, які мали масовий характер, являли собою своєрідні хореографічні композиції. З іншого боку, танець і танцювальна музика за всіх часів були осередком емоційності та еротики; кохання - одна з головних тем танців усіх народів. Причому чуттєвий початок, згідно з філософськими концепціями, що існували, був формою виявлення духовної суті.

Музика і танець здавна були також засобом виховання, тому навчання цим мистецтвам набуло широкого поширення у країнах Стародавнього світу. На рубежі I тисячоліття у Китаї великий вплив мало конфуціанство - офіційна ідеологія на той час, що надавала особливого значення танцю в етичному вихованні людини. Високу етику мав танець у Стародавній Греції, де призначення танцю бачили у вдосконаленні, облагороджуванні людини. Займаючи значне місце в житті народу, хореографічне мистецтво було не лише частиною культу (повільні урочисті танці на честь Аполлона, екстатичні вакхічні танці, присвячені Вакху та ін.), а й засобом виховання (наприклад, «пірріхи» - військові атлетичні танці спартанських юнаків , що сприяли гармонійному розвитку тіла) «Танці розвивають гнучкість, силу та красу», - говорив Платон. Аристотель визначав сенс танцю такими словами: «Танець наслідує своїми ритмічними рухами звичаям, пристрастям і звичаям і втілює невидиму думку».

Взагалі, відомості про танцювальні жанри тих часів досить розрізнені та нечисленні. Найчастіше ми можемо говорити не про конкретні жанри, а про групи жанрів, які виділяються в залежності від того, яке призначення вони мали в житті людей. З появою класового суспільства відбувався поділ танцю та танцювальної музики на їх народно-побутові та професійні (церемоніальні, театралізовані) різновиди.

Танцювальні жанри Стародавнього світу Народно-побутові танці тривалий час зберігали зв'язок з трудовими процесами, язичницькими та побутовими обрядами (танцювальні пантоміми в Др. Китаї та Др. Індії, давньогрецькі діонісійські ігри, російські масляні ігри та ін.) та супроводжували сімейні, міські та спільного свята, кожна подія у житті людини. Жанр народно-побутових танців – один із найширших. Різноманітні за тематикою та композиційним малюнком, за складом виконавців, вони вплинули на виникнення сценічного танцю. Насамперед, варто виділити обрядові танці-ігри, що відображають трудові процеси та тривалий час виконуються у суворій відповідності з часом проведення тих чи інших сільськогосподарських робіт. Наприклад, нерідко в той час землероби, намагаючись викликати потрібний для посівів дощ, відтворювали музично-пластичні картини хмар, що пливли, гуркоту грому, потоків води, що ллються, тощо. Паралельно з темою праці розкривалася і любовна тема. Ігрові танці довго зберігали сліди побуту, праці та давніх язичницьких вірувань і навіть частково (у трансформованому вигляді) дійшли до наших днів (російська ігрова пісня-танець "А ми просо сіяли"). До найдавніших відносяться також мисливські танці, що копіюють рухи і звички звірів і птахів і зазвичай виконуються до і після полювання. Вони ставили перед собою ясне, просте завдання - магічно впливати на результати полювання, тобто задобрити божество, зміцнити впевненість у самому собі і залякати тварину, що переслідується, і, таким чином, здобути перемогу, здобути собі і племені їжу. Шалені стрибки, імітація звичок звіра, жахливі крики та притупування створювали умовну картину полювання. Людина вірив у те, що танець реально, практично допомагає йому у здійсненні однієї з найважливіших функцій її життєдіяльності.

Боротьба народів між собою призвела до зіткнень між ними та викликала появу військових танців. Найчастіше це були складні хореографічні композиції, що відтворювали бій, різні бойові перебудови. Участь у них означала згода йти у похід. У руках у танцюючих були луки, стріли, щити, запалені смолоскипи, мечі, списи, дротики. У сюжетах таких героїчних танців, як правило, знаходили відображення міфи та перекази про героїв. Величезну роль розвитку танцювального мистецтва і, особливо, сценічного танцю зіграли ритуальні, культові танці. Схиляння перед абстрактними силами природи, обожнювання тварин, властиві світогляду людини на той час, знаходили свій відбиток й у танцювальних рухах, сприяючи цим розвитку прийомів стилізації і умовності пластичного мови. Лінії руху танців, їхні жести та пози мали таємниче священне значення. Людина, бажаючи пояснити незрозумілі йому явища природи, приписувала їх виникнення волі таємничих вищих істот (божеств) і, щоб домогтися сприятливих умов своєї праці, намагався всіляко задовольняти богів особливими магічними діями - обрядами. У стародавніх китайців існували, наприклад, танці жертвопринесень небу та його духам, танці-наслідування руху вод, що коливаються вітром. Єгиптян мав астральний танець, який танцювали дванадцять жриць навколо жертовника, зображуючи дванадцять знаків зодіаку. Як обов'язкова складова частина богослужіння культові танці мали величний, суворий, урочистий характер; рухи та музика найчастіше були строго регламентовані та зумовлені особливостями церемонії. Виникнувши в надрах побутового мистецтва, вони надалі значно виходили за рамки прикладного жанру, вимагали для виконання професіоналів в області танцю і музики. Професіоналізація музичного та танцювального мистецтва зумовила виникнення театралізованих (сценічних) танцювальних жанрів. Для виконання таких танців та їхнього музичного супроводу були потрібні танцівники та музиканти високого професійного рівня (вони зазвичай виховувалися з дитинства, отримуючи професію у спадок). Наприклад, в індійській школі класичного танцю «катхак» музикант фактично керував рухом танцю, змінюючи його темп і ритм, а майстерність танцівниці визначалося її вмінням точно йти за музикою. У давньогрецькій трагедії вже у IV столітті до зв. е. виступали професійні співаки та танцівники. Не випадково у багатьох трактатах до мистецтва танцю та танцю пред'являлися високі художні вимоги. Лукіан вимагав від «водія хороводу» знання всіх відомих на той час наук та мистецтв. «Ритм і музику має знати, щоб давати розмір своїм рухам, геометрію, щоб побудувати їх, філософію та риторику, щоб зображати звичаї та будити пристрасті, живопис та скульптуру, щоб складати пози та групи; що стосується міфології, то він повинен знати досконало події від хаосу та створення світу до наших днів». p align="justify"> Особливе місце серед танцювальних жанрів і форм древнього світу і античності займав хоровод-синкретичний вид народної творчості, що об'єднує в різних співвідношеннях музику (пісенну або інструментальну), танець і ігрову дію. Культові та побутові хороводні танці описували форму кола - найдавнішу досконалу форму, яка символізувала і сонячне божество, і кругообіг природи, і зміну поколінь. Виконання цього масового танцю супроводжувалося хоровою піснею. Хореографічний малюнок відтворювався дівчатами та юнаками, які тримали один одного за руки.

Стародавній Єгипет

У Стародавньому Єгипті мистецтву танцю приділялася велика увага. Про це свідчать розписи та барельєфи на стінах гробниць, що збереглися з давніх-давен. Там можна бачити і ритуальні танці, і танці на побутових святах, і ходи воїнів. Як правило, поруч з людьми, що танцюють, зображується група музикантів, які грають на різних ударних інструментах, а також на найпростіших видах духових і струнних інструментах. За знайденими зображеннями можна судити про стиль давньоєгипетських танців. По-перше, помітно, що найчастіше чоловіки та жінки танцюють окремо. Причому деякі дослідники вважають, що більшість танців були жіночими за виконанням. Серед танцюючих чоловіків були переважно невільники чи жерці будь-яких культів, виконують лише мімічну частину ритуалу. По-друге, рухи дуже графічні, з елементами акробатики, але водночас досить витончені. Побудови танцюючих усередині групи відповідають геометричним фігурам (коло, квадрат, трикутник) чи прямій лінії. По-третє, переважаючими є ритуальні танці - релігійні, що влаштовуються на честь божеств під час здійснення культу, та обрядові (на весіллях та похоронах). Рухи таких танців були суворо регламентовані, якийсь імпровізаційний елемент у виконанні повністю виключався. До наших днів дійшли відомості про Священний астральний танець Зодіаку, надзвичайно поширений у стародавніх єгиптян. М. Вашкевич у своїй книзі «Історія хореографії всіх віків та народів» дає наступний її опис: «Вночі, під ясним зоряним небом, навколо жертовника, на якому горів вогонь, сходилося дванадцять дівчат танцівниць-жриць і, взявшись за руки, обходили його хороводом зображуючи дванадцять знаків Зодіаку навколо сонця (бога Ра), яке зображував жертовник. Хоровод рухався повільно, як повільно відбувається рух світил; потім кожна виконавиця зображала мімічно те, що пов'язане з появою кожного сузір'я (так - жнива осінніх місяців зображувались відповідними радісними жестами тощо); можливо, тим часом хоровод зупинявся, даючи час для мімічної гри. Струнна музика давала ритм цій повільній танці, що ледве рухається.» Той самий автор наводить приклад ще одного релігійного танцю - танці Озіріса. Вона «виражала мімічно ідеї величі та милосердя божества і часто змінювалася пантомімою, що зображувала в особах епізоди народження, юнацтва божества, любов і поєднання його з Ізідою та вбивство їм злих братів; все це супроводжувалося повільною, урочистою музикою. Але ось музика і спів, а за ними і танець переходять у fortissimo, висловлюючи захоплення божеству: стрибки з широкими жестами руками, з перегинами корпусу, потрясінням піднятих рук... Перед капищем, з якого видно колосальну статую Озіріса і куди вводять Апіса, танцівниці крутиться і падають ниць, а за ними падає ниць і весь народ. У танцювальній культурі Стародавнього Єгипту, крім ритуальних танців, дослідники виділяють також інші групи жанрів: - нерелігійні танці громадських свят (на фестивалях, на бенкетах); - танці у гаремах; - Військові танці; - вуличні танці. Суспільні танці привілейованих верств істотно відрізнялися від танців простого люду - стиль виконання їх був урочистим та статечним. Вважалося, що знатній людині взагалі непристойно брати участь у танцях публічних свят, вона повинна лише поблажливо спостерігати за розвагами звичайних людей. У свій час танцювальні розваги у вищому суспільстві Стародавнього Єгипту були навіть офіційно заборонені у зв'язку з думкою, що танцювала негативно впливають на звичаї населення і не несуть ніякої практичної користі. У народі танці, навпаки, були надзвичайно популярними. Не лише свята, а й численні ходи (наприклад, під час трудових процесів) були наповнені елементами танцю. Рухи характеризувалися більшою природністю, простотою та грубуватістю, а композиція танців - меншою регламентованістю фігур. Довгий час мистецтво танцю в Стародавньому Єгипті розвивалося ізольовано, на основі власних традицій, практично не відчуваючи впливу довколишніх країн. З 1500-1000 років. до н.е. у ньому стали помітні риси танців Ассирії, оточуючих африканських країн і навіть Індії. У свою чергу, танець єгиптян надавав зворотний вплив на інші культури (включаючи античну Грецію), причому як безпосередньо на хореографічну складову танцю (його руху, форми), так і на його художню сторону (міфологію, що лежить в основі танців тощо). ).

Стародавня Індія

Танцювальне мистецтво Стародавньої Індії виникло як частина релігійного культу. Храми, що збереглися до наших днів, зберігають на своїх стінах численні скульптурні зображення і фрески танцюючих фігур, як простих людей, так і різних богів. Наприклад, на фасадах храму Шиви в Чидамбарамі (Південна Індія) відображені скульптури у всіх 108 канонічних мудрах (позиціях) класичного танцю Бхарат-Натьям. Навіть сам влаштування храмів, в яких для танців відводилися спеціальні майданчики та зали, свідчить про величезну роль танцю у житті індійців. Дії храмових танцівниць девадасі (пізніше в європейській традиції іменованих баядерками) та їхніх музикантів мали сакральний зміст і символізували божественне просвітлення, виступали як спосіб досягнення звільнення від нескінченного ланцюга перероджень. У численних міфах та священних давньоіндійських текстах танець набував символічного значення та глибокого філософського обґрунтування. У цьому можна згадати, передусім, уявлення про танцюючому Шиве-Натараджа, основна місія якого - руйнація світів і подальше їх творення - реалізується у вигляді танцю. Одними з перших танцівниць у буддистських текстах виступають апсари - небесні красуні-танцівниці в царстві Індри, які за допомогою неперевершених танців, співу, музикування та любові були покликані руйнувати царства богів та аскезу мудреців. Їх образи отримали втілення у багатьох фресках, скульптурах та барельєфах давньоіндійських храмів. З давніх-давен танець в Індії прийнято було поділяти на класичний і народний. І якщо численні народні зразки існували в «усній» традиції, то рухи класичного танцю були глибоко опрацьовані та канонізовані вже у ІІ-І ст. до н.е. Так, у трактаті «Натьяшастра» оповідається про «нриття» - виразний танець-пантомім, основу якого становив певний сюжет (з міфів, переказів), і про «нритт» - чистий танець заради танцю, в якому виконавець повністю віддається стихії ритмів. Класичні стилі індійського танцю, які стали обов'язковим елементом давньоіндійського театру, також вели своє походження від ритуальних танців. Так, Бхарата-натьям виконувався девадасі у храмах Шиви як танець-молитва, танець-розмова. У Катхаку, заснованому на міфологічних сюжетах із життя бога Крішни та його дружини Радхі, жерці-браміни викладали за допомогою танцю та пантоміми історію свого віровчення. Відносинам між богом Крішною та його дружиною Радхою був присвячений і інший танець - Маніпурі. Кахкалі - оповідання-мистецтво, пантомімічний танець-драма, ілюстрував легенди з давньоіндійських епосів Рамаяна та Махабхарата.

Стародавня Греція

Найбільш вивчено та систематизовано танцювальне мистецтво Стародавньої Греції, характер якого осягається завдяки величезній кількості археологічних знахідок (з численними зображеннями людей, що танцюють) та описам у літературних джерелах. Правда, в більшості випадків зустрічаються лише короткі характеристики танців або згадуються лише назви з позначенням на честь якихось богів або з приводу якої події виконувався цей танець. Найменування, що дійшли до наших днів, як самих танцювальних жанрів, так і окремих фігур досить численні (понад 200). Як правило, чоловіки та жінки в Стародавній Греції танцювали окремо один від одного, і лише юнаки та дівчата могли становити спільний хоровод. Дослідники виділяють такі типи танців, що існували в Стародавній Греції: - Релігійні (помірні та оргіастичні); - гімнастичні та військові, виховного призначення; - Мімічні; - театральні; - обрядові (наприклад, весільні); - Побутові. Як і в інших народів античних часів, танець і різноманітні акробатичні, гімнастичні трюки були неодмінним атрибутом давньогрецького релігійного культу. Кожному божеству міг бути присвячений окремий танцювальний ритуал. Так, серед найбільш ранніх згадок можна зустріти відомості про танець фригійського походження Алоенес (Aloenes), який виконував жриці Кібели на честь її дочки Церери. Існували й інші танці даного культу – Анфема (Anthema), Буколос (Bookolos), Епікредрос (Epicredros) та безліч місцевих різновидів. Загальне поширення мали танці, що вихваляють Афродіту -благопристойні, стримані, досконалі, так само, як і їхня покровителька. Ритуальні ходи в Стародавній Греції також супроводжувалися танцями, музикою та співами. Одним із таких танців-ходів був комос (Komos), учасники якого – комасти – під акомпанемент кіфар та флейт виконували невимушені та фривольні рухи. Але, мабуть, найбільшу популярність у повсякденному житті древніх греків мали релігійні урочистості, присвячені Аполлону і Діонісу і супроводжувалися численними танцями, різноманітними за формою та характером. Причому танці, пов'язані культом Аполлона, суттєво відрізнялися від танців діонісійських (вакхічних) свят: у першому випадку їхній стиль був більш церемоніальний, статечний, урочистий; у другому - більш вільний, пристрасний і навіть еротичний. Подібне протиставлення надалі яскраво виявилося і у професійному мистецтві, насамперед у сфері давньогрецького театру (танці трагедії та комедії). Серед гімнастичних танців освітнього штибу, які відіграють велику роль у вихованні мужності, патріотизму у молодих людей, можна виділити військові танці, зокрема пірріху (пірріхій) та споріднені їй піричні танці. Назва «пірріха» (Pyrrihic), вважають, походить від слова «піра», що означає багаття, навколо якого нібито танцював Ахілл під час похорону Патрокла. Ранні форми пірріхи були відомі на Криті ще в 2000-1500 роках. до зв. е. Поступово проникаючи в Стародавню Грецію, пірріха набула надзвичайного поширення у всіх її областях, особливо в Спарті та Афінах, де була одним з елементів виховання юнаків та війн. Складні рухи гімнастичного характеру у цьому танці мали допомогти гармонійному розвитку людського тіла. «Фігури, рухи та маніпуляції зброєю у такт музики, під звуки флейти, були дуже різноманітні. Виконавці відтворювали військові дії та одноосібні бої, начебто під час справжніх битв» (Худеков С. Історія танцю. Т. 1. СПб., 1913). Пізніше пірріха стала виконуватися професійними танцюристами під час бенкетних розваг, характер її набув елементу феєричності, видовищної пишноти, а назва жанру стала вживатися щодо будь-якого ансамблевого танцю. До військових танців можна віднести фригійський танець корибантум (Corybantum). Свою назву він отримав від іменованих «корибантами» міфічних попередників жерців Кібели або Реї у Фрігії. За допомогою дзвону зброї вони відганяли темні сили. Виконавці, які зображали корибантів, танцювали оголеними, зі щитом і в шоломі, часом доходили до того ж шаленства, що й жриці-вакханки - менади. Корибантум відомий також як танець курет - так іменували корибантів на Криті. Пірріху був близький і інший вид давньогрецького танцю - гімнопедія (Gymnopaedia). Гімнастичні вправи, що представляли собою по суті під звуки флейти або ліри, він виконувався голими юнаками на агорі в Спарті під час одного зі щорічних свят. Фігури гімнопедії нагадували рухи та позиції, які використовувалися у боротьбі та боксі. Театральні уявлення античних часів були поєднанням драматичної дії, поетичної декламації, співу, танців, жестикуляції, мімічних рухів. Співати та танцювати у давньогрецькій драмі доручалося хору. Його рухи (як правило, то в одному напрямку, то у зворотному) могли бути маршовими за характером (парід та ексод) або хороводними (стасими). Кожному виду театральних видовищ Стародавню Грецію було властиве своє певне коло танцювальних жанрів. У танцях трагедії були відсутні віртуозні елементи, рухи акторів відрізнялися умовністю та малорухливістю, виразним характером жестикуляції у більш жвавих епізодах. У комедійних уявленнях танці були віртуозними, технічно складними і часто мали шалений, грубуватий, часом непристойний характер. Серед безлічі жанрів давньогрецького театру слід виділити кілька основоположних - еммелію, кордак і сіккініду. На відміну від пірричних танців вона виконувалася жінками та відрізнялася красою форм та витонченістю пластики. Особливо виразними були рухи рук танцівниць – складні за малюнком та експресивні за характером, тоді як ноги та корпус його були порівняно нерухомі. Виникнувши як релігійний танець, згодом еммелія увійшла як складова в давньогрецьку трагедію. Головним танцювальним жанром комедії був кордак (Kordax), рухи якого включали різноманітні обертання, стрибки в шаленому темпі. Він, хоч і був пов'язаний із змістом п'єси, все ж таки не був простою ілюстрацією дії. Швидше за все, кордак був вставними комічними сценами, свого роду хореографічні буффонади. Цікаво, що цей танець вважався негідним серйозних чоловіків. Багато спільного мав з ним танець сатиричної драми - сіккініда (Sikinnis), що орієнтується на смаки простих людей і найчастіше є пародією на багато сторін суспільного життя. Окрім власне танців у сатиричній драмі та комедії могли зустрічатися танці-пантоміми, у яких за допомогою умовних жестів, міміки передавалися всі сюжетні перипетії. У давньогрецьких джерелах, що збереглися до нашого часу, згадуються також такі танці: Епілініос (епіліній, Epilinios) - діонісійський танець, який виконували, забравшись на чан, при давці винограду ногами. Іменеос (іменів, Imeneos) - весільний танець нареченої зі своєю матір'ю та друзями. Відрізнявся стрімким характером, швидким темпом та наявністю безлічі поворотів. Ієракіо (Ierakio) - жіночий танець на фестивалях та святах на честь богині Ери. Хормос (Ормос, Hormos) згідно з Лукіаном був танцем, що об'єднує чоловіків і жінок один за одним у ланцюг. Очолював процесію молодий чоловік, який за допомогою різноманітних рухів демонстрував свої танцювальні здібності та військову підготовку. А дівчина, що йде за ним, була прикладом пристойності для всіх інших танцюючих жінок. Іпорхіма (Iporchima) - критський танець, який надалі набув поширення в Спарті, в якому поєднувалися танець, пантоміма, спів та музика. Виконувався юнаками та дівчатами під звуки власного співу. Геранос (Geranos) - хороводний танець, який також виконувався юнаками та дівчатами та ілюстрував міф про Тезея та лабіринту. Рухи були круговими (як серпантин), фігури звивистими, наслідуючи заплутані коридори лабіринту. На чолі процесії йшов музикант, який грає на кіфарі і виступав у ролі Тезея. Назва «геранос» - у перекладі «журавель» - свідчила про те, що виконавці імітували рухи цього птаха, то, нахиляючись вниз і присідаючи навпочіпки, то, витягаючись нагору на весь зріст. З рухів та елементів вищеописаних жанрів виникало безліч інших танців, що використовуються під час громадських урочистостей та свят, а також у повсякденному житті народу. Пізніше більша їх частина була запозичена стародавніми етрусками і римлянами, але при цьому зазнала значної трансформації: у нових соціальних умовах танці втратили властивий їм раніше високохудожній образ, колишню грацію та красу.

Древній Рим

Танець Стародавнього Риму успадкував традиції давньогрецького мистецтва періоду еллінізму. Однак благородне і священне призначення танцю поступово перестає бути актуальним. Під впливом смаків і запитів давньоримського суспільства, яке прагнуло розкоші та збагачення, танець стає простою розвагою, втрачає суворість і чистоту. Навіть танці, запозичені у греків, набували набагато більш чуттєвого, фривольного, часом навіть вульгарного характеру. У Римі, за часів розквіту великої імперії, відчувався вплив інших танцювальних традицій - етруських, єгипетських, азіатських. Так, деякий час були поширені етруські ритуальні танці Люперсалія (Lupercalia) та Амбарвалія (Ambarvalia). Як і раніше, виконувались піричні танці, ритуальні танці (але вже на честь римських богів - наприклад, Марса, Венери), обрядові танці-ходи, пов'язані з стародавніми культами родючості і поступово переростають у громадські свята (наприклад, сатурналії). Загальний стиль цих видовищ – поєднання грандіозної феєричності та крайній натуралізм. Так, запозичена римлянами у греків Пляска Гіменея була настільки непристойне видовище, що влада законодавчо навіть переслідувала тих, хто виконував її або навчав їй. Подібним характером мали і театралізовані вистави Стародавнього Риму. Згодом відсутність будь-якої естетичної та філософської основи у розумінні танцю як мистецтва призвела до того, що він просто перестав розвиватися. У результаті першому плані вийшла пантоміма. У ній могло брати участь від однієї до сотні людей. Розігруючи за допомогою міміки, жестів та рухів перед глядачами складні міфологічні сцени (у той час як прихований за сценою хор співом пояснював зображуване), артисти виконували свого роду пантомімічний танець. Але, незважаючи на явну спадкоємність між танцем у давньогрецькому театрі та римською пантомімою, зайвий натуралізм та ілюстративність не дозволяли пантомімі піднятися до рівня високого мистецтва, такого, якого досяг класичний танець у Стародавній Греції.

Хореографія, як унікальний та синтетичний вид мистецтва

Вступ

Середньовічні танці - відображення похмурого періоду середньовіччя. Придворні танці їхнє історичне значення.

4. Народні та придворні танці епохи Відродження. Виникнення Балета та її впливом геть суспільно-політичне життя. Художнє оформлення балетів епохи Медічі

5. Танцювальне мистецтво 17-18 століть. Людовік XIV та балет. Поява балетної музики та сюжетних балетів. Придворні танці на асамблеях за Петра 1. Танцівники-реформатори Марія Камарго та Огюст Вестріс. Ж.Ж.Новер та її реформи.

Епоха романтичних балетів 19 століття та її представники. Балети Артура Сен-Леона, та його історичне значення. Маріус Петипа та Петро Ілліч Чайковський – творці шедеврів класичного балету. Нові тенденції танцювального мистецтва кінця 19 століття

Розвиток танцювального мистецтва з початку 20 століття донині.

Висновок

Вступ

Хореографія та танець мають свою багатовікову історію, описану істориками та театрознавцями на підставі спогадів очевидців та сучасників, зображень художників та численних легенд про танець та танцювальне мистецтво. Танцювальне мистецтво є унікальним, оскільки воно відображало і відображає життя, звичаї та звичаї людей через таємничу мову пластики та жестів. Унікальність хореографії полягає також і в тому, що вона поєднує в собі мистецтво танцю, театру, музики та образотворчого мистецтва, якщо ми говоримо про танцювальну виставу.

Предмет та об'єкт дослідження.Хореографія як унікальний та синтетичний вид мистецтва, що тісно взаємодіє з музикою та образотворчим мистецтвом.

Мета дослідження.Визначити унікальність і значення танцювального мистецтва кожному етапі історичного поступу, і навіть проаналізувати взаємозв'язок хореографії коїться з іншими видами мистецтва.

Актуальність дослідження.Мистецтво хореографії викликає інтерес і зараз, у наш час. Тому питання унікальності хореографії, її значення у житті й ​​історії, взаємозв'язок коїться з іншими видами мистецтва неможливо знайти актуальними.

Моє дослідження розкриває суть та значення танцю, протягом величезного проміжку часу – від давньогрецького періоду і до наших днів. Танець супроводжував пишні урочистості та свята Стародавньої Греції та Риму, середньовічні бали та лицарські турніри, розкішні театралізовані вистави часів правління французьких королів, і, нарешті, перетворюється на окремий та особливий вид мистецтва – мистецтво хореографії.

Також під час дослідження можна помітити, як важливі історичні події впливали на танцювальне мистецтво, а танцювальне мистецтво впливало на моду, культуру, звичаї та навіть політичне життя певного періоду історії. Особливо це було помітно за правління Катерини Медічі та короля Людовіка 14 .

Зародження та значення танцю в історії. Танцювальне мистецтво, як важливий компонент театру Стародавньої Греції та життя стародавніх греків

Коріння танцювального мистецтва сягає далекого минулого і беруть свій початок з епохи первіснообщинних часів, коли танець і жести відігравали значну роль у житті древньої людини, як способи комунікативного спілкування до появи та розвитку звукової мови.

Пізніше танець набув обрядового значення – люди зверталися до танців під час весільних та релігійних обрядів, військових ритуалів, обрядів зміни пір року, народження дітей чи похорону. Танці об'єднували народ, були як способом спілкування друг з одним і розвагою, а й засобом вираження душевного стану, думок і емоцій. Під впливом зміни історичних подій, у зв'язку з приходом нових духовних та культурних цінностей та нової естетики, поступово значення танцю та його основні функції видозмінюються.

Почнемо наш екскурс в історію з вивчення танцю у Стародавній Греції. У чому була унікальність танцювального мистецтва Стародавню Грецію? І яке значення грав танець у житті греків?

Відомо, що Стародавні Греки залишили свій відчутний слід історія світового мистецтва і культури. Ми знаємо імена великих давньогрецьких драматургів – Есхіла, Софокла, Евріпіда, Арістофана. Ми захоплюємося величними арками та колонами, каріатидами, статуями богів та героїв античної Греції. Саме тоді, у ті далекі часи, особлива увага приділяється красі та естетиці людського тіла, рухів та поз, і, звісно, ​​танцю.

Танці у Стародавній Греції поділялися на ритуальні (священні, обрядові), суспільно-побутові, сценічні та військові. Так, сценічні давньогрецькі танці були частиною театралізованих виступів. Мистецтві ж військового танцю мали навчатися все грецькі юнаки.

У Греції танцювали всі, незалежно від віку та соціального стану та любили свята та розваги, які часто супроводжувалися театралізованими виставами, піснями, танцями та грою на музичних інструментах.

Свято на честь бога Діоніса чи Великі Діонісії відзначали кілька разів на рік в Афінах. Свято тривало кілька днів: прикрашали храм Діоніса, влаштовували великі ходи-процесії, співали пісні-дифірамби, влаштовували театральні змагання авторів драми, трагедії та комедії. Автори-поети були також режисерами, балетмейстерами та навіть, не рідко, акторами своїх творів.

Танець у святилищі Діоніса. Аттична ваза V ст. до н.е.

"Юнаки тут і квітучі діви, бажані багатьом,
Скачуть, у хор кругоподібний люб'язно сплетячись руками.
Діви в одяг лляні та легені, отроки в ризи
Світло одягнені, і їхньою чистотою, як оливою, сяють;
Тих – вінки з квітів чарівні всіх прикрашають;
Цих - золоті ножі, на ременях через плече сріблястих.
Скачуть вони, і ногами вправними щось закружляють,
Так само легко, як у стану колесо під випробувальною рукою,
Якщо убогий його випробує, чи легко паморочиться;
То розвинуться та танцюють рядами, одні за іншими.

(Гомер "Іліада", переклад Н.І.Гнедича)

До театральних танців стародавньої Греції відносяться еммелія, кордак та сіккініда. Танець у складі трагедії ( емелія) був досить повільним і величним, а жести в ньому ( хірономія) - широкими, великими. Кордак був вставні комічні сцени, свого роду хореографічні буффонади. Цей танець був досить непристойним, виконувався у бурхливому темпі, із присядками, стрибками та «п'ятами в небі». Хор у комедії Арістофана "Оси" супроводжує цей буйний, розбещений танець такими словами:

Кружся швидше і швидше!

Фрініхова танець!

Закиньте вище ступню!

Нехай глядачі ахнуть: "ай, ай!",

Побачивши п'яти в небі.

Кружся, перекидайся і бий себе по череві!

Викидай ноги вперед, крутись дзиґою...

Кордак. Розпис вази, V ст. до зв. е.

Багато спільного мав з ним танець сатиричної драми - сіккініда (Sikinnis), що орієнтується на смаки простих людей і найчастіше є пародією на багато сторін суспільного життя.

Танець двох сатирів. Розпис вази, перша половина V ст. до зв. е.

Складні танці, з акробатичними елементами та трюками, виконували професійні танцюристи, акробати, жонглери. Вони супроводжувалися грою на музичних інструментах. Лукіан у своєму трактаті описував: «А на Делосі навіть звичайні жертви не обходилися без танцю, але супроводжувалися нею і відбувалися під музику. Зібрані в хоровод юнаки під звуки флейти і кіфари мірно виступали по колу, а саму танець виконували обрані з-поміж них кращі танцюристи. Тому і пісні, написані для цих хороводів, мали назву "танцювальних приспівів", і вся лірична поезія сповнена ними».

Раз на чотири роки відзначалося і свято на честь богині Афіни – покровительки міста Афін – Великі Панафінеї. Свято було смолоскипною ходою до статуї Афіни, підношення численних і багатих дарів коханій богині: одягу, творів мистецтва, жертовних тварин, квітів, а також супроводжувався військовими танцями. До найяскравіших військових танців належить Пірріха.

Пірріха, танець воїнів

За однією з легенд першою виконавицею піричного танцю була Афіна Паллада. Вона танцювала на честь перемоги над титанами. Інша легенда стверджує, що він винайдений царем Пірром. Більшість же дослідників схильні думати, що назва походить від слова "бенкету" - "вогнище", навколо якого танцював Ахілл при похороні Патрокла. Для піричного танцю танцівники одягали на себе костюми воїнів. В руках у них були лук, щит, стріли чи інша зброя. Вони скакали вперед, перестрибуючи з однієї ноги в іншу; потім проводилися різні військові рухи та комбінації - прямими шеренгами нападали один на одного, стулялися в загальне коло, стрибали групами, ставали на коліна та ін.

Грецьке весілля також супроводжувалося танцями, піснями та певними ритуалами. Ось як у Гомера описаний весільний процес: «Там наречених з чертогів, яскравих світильників при блиску, Шлюбних пісень при кліках, по стогнах градським проводжають. Юнаки хорами в танцях кружляють, між них лунають лір і сопілок веселі звуки; поважні дружини дивляться на них і дивуються, стоячи на ганках ворітних. Мати нареченої запалювала від свого вогнища смолоскип і йшла за возом разом із родичами та гостями. Одні несли смолоскипи для освітлення дороги, інші - подарунки, а також особливого виду триніжок, лутрофор і кальпіди для весільних ритуалів, багато співали весільні пісні і танцювали під акомпанемент аулосів і лір, вигуки, звернені до Гіменею, звучали на всьому шляху. .

Танець у Стародавній Греції був складним, віртуозним, і безумовно естетично розвиненим. Про це свідчать давньогрецькі фрески та малюнки, на яких зображені яскраво виражені рухи та пози, підкреслюється краса ліній людського тіла та «виворітливість» ніг.

Розпис арибалла, Танцюристи-стрибуни, кінець VI в. до зв. е.

Танцівниці та акробатки. Робота майстра кола Полігнота, бл. 430 р. до н. е.

Про високий рівень розвитку давньогрецького танцю свідчать і міркування філософів про танець. І це було не дивно, адже танець у Стародавній Греції був частиною філософських наук – його вивчали у гімназіях, поряд із музикою, філософією та іншими предметами. Про зв'язок танцю та філософії, написані численні трактати давньогрецьких філософів - Платона, Плутарха, Ксенофонта, Лукіана та ін. Філософи не тільки цікавилися мистецтвом танцю, але й любили танцювати самі. його бачили танці знайомі, він їм казав, що танець є вправою для кожної частини тіла».

Красу давньогрецького танцю, його значення, історію розвитку та взаємозв'язок із музикою, описує Лукіан у своєму трактаті: «Скажу про те, що танець не тільки насолоджує, але також приносить користь глядачам, добре їх виховує, багато чого навчає. Стрибок вносить лад і міру в душу того, хто дивиться, вишукуючи погляди найкрасивішими видовищами, захоплюючи слух чудовими звуками і виявляючи прекрасну єдність душевної та тілесної краси. А якщо в союзі з музикою і ритмом танець всього цього досягає, то за це він заслуговує не на осуд, а скоріше на хвалу. їхніх батьків, - ні: люди, які повідомляють найдостовірніші відомості про родовід танці, зможуть сказати тобі, що одночасно з походженням перших почав всесвіту виник і танець, що з'явився на світ разом з ним, давнім Еросом. А саме: хоровод зірок, сплетіння блукаючих світил з нерухомими, їх струнка співдружність і мірний лад рухів є проявом первородного танцю. Після, помалу, розвиваючись безперервно і вдосконалюючись, танець тепер, як здається, досяг останніх вершин і став різноманітним і всегармонійним благом, що поєднує в собі дари багатьох муз. - танцюрист повинен подібно до ораторів вправлятися, домагаючись найбільшої ясності, щоб усе, що їм зображується, було зрозумілим, не вимагаючи жодного тлумача».

Загалом, танець і танцювальне мистецтво Стародавню Грецію грали важливу роль життя греків. Наповнюючи та збагачуючи життя у духовному та естетичному сенсі, танець стає невід'ємною частиною релігійних свят та обрядів, весільних церемоній та військових ритуалів, а також частиною культури та мистецтва Стародавньої Греції. Красу та естетику давньогрецьких рухів, поз та жестів підтверджують численні малюнки Античної Греції, враження сучасників та трактати філософів-мислителів. Танцювальне мистецтво Древньої Греції, як і інші види мистецтва, безперечно, вплинуло на розвиток світової культури та мистецтва, театру та балету. До античних танців та античної культури звертаються багато режисерів, танцівників і балетмейстерів. Велика американська танцівниця Айседора Дункан запозичує давньогрецькі пози та жести для своїх імпровізацій, а також використовує давньогрецьку туніку як основний вид костюма для своїх виступів. До сюжету давньогрецької легенди про Ясона і Медею звертаються хореографи Ж. Ж. Новер, М. Грехем, Г. Алексідзе, Ю. Посохов та ін.

Спочатку танець був комплексом, що складається з міміки, жестикуляції, рухів корпусами та ногами.

У давні віки міміка - перша мова людства - була нерозривно пов'язана з танцювальним мистецтвом. Більше того - всі рухи в давнину називалися не інакше як танцями! Греки не визнавали танець тільки як привід для ритмічних рухів і красивих поз - навпаки, вони прагнули до того, щоб кожен танцювальний рух виражав якусь думку, дію, вчинок, що говорило глядачеві. А іспанські танці і досі через свою супервиразність іноді можуть передати набагато більше, ніж звичайна людська мова. Вважалося, що люди в давнину танцювали через те, що боги смикали людей за мотузки прив'язані до їхніх рук і ніг. Насправді ж танець стався через необхідність первісних людей у ​​спілкуванні, передачі будь-якої життєво важливої ​​інформації. Копіруючи рухи тварин, первісні люди намагалися проникнути цим у душевний стан цієї тварини, зрозуміти її «суть», що значно допомагало первісним людям при полюванні, отже було необхідністю виживання!

Первісний танець, звичайно ж, виник з емоцій і був безпосередньо пов'язаний із найгострішими переживаннями. Спочатку в танцях було укладено і певний елемент гри: в природу, в інше «Я», в «нове» та добре забуте «старе». Первісна людина була наділена нечисленними рухами, але щодня несла нові труднощі, в результаті яких вироблялися алгоритми поведінки і типізація нових жестів. Одним із способів поповнення стародавнього танцювального арсеналу було наслідування рухів тварин. Основу первісних танців складали магія та ритуал. Рухи, що відбуваються в ході ритуальної дії, завжди були спрямовані, мали суворо певну мету. Танець тут виступав як засіб приведення себе в специфічний, відмінний від побутового стану. Танець у такий спосіб був своєрідним каналом у невідоме, виступав як можливість управління ірраціональними сторонами людського життя.

Кожен танець у стародавніх знаменував поєднання людини з могутніми космічними енергіями, необхідними для переживання важливих, етапних подій у його житті: народження - вступ у доросле життя - одруження - народження потомства - полювання - війна - смерть. Тобто танцювали не від надлишку сил, а для їхнього придбання.

Тотемічні танці, що тривали кілька днів, були зазвичай сценарієм міфів про фантастичні подорожі з життя первопредков. У тотемічних танцях різних племен чітко проявляється їхня основна особливість - повне уподібнення тотему. Лексика тотемічного танцю визначається характером пластики певного виду тварини, птиці, комахи. Ці танці за своїм строєм завжди були динамічними, в них підкреслювалися рухи, а не пози. У тотемічних танцях людина буквально перетворювалася, ставала схожою скоріше на зображувану тварину, ніж на саму себе (тобто зовні танцюючий набував звіриних рис). У цих найдавніших танцях бували і сюжети зі сцен полювання, гри у птахів та звірів. Найдавніші люди вміли майстерно копіювати звички тварин, ніби перетворюючись на них у танці. Таке перетворення, на їхню думку, допомагало набратися хоробрості, витривалості, властивої тій чи іншій тварині. Кожен племен мав свою священну тварину, якій поклонялися, на честь якої танцювали до упаду. Воно їх за це нагороджувало у бою всіма своїми цінними якостями, приносячи удачу та перемогу. Кожен мав від десяти до тридцяти видів чоловічих мисливських танців, кожен із особливою назвою, особливими піснями, музичними інструментами, па, фігурами та костюмами учасників. Кожен рух мав свій сакральний зміст.

У мисливських танцях чоловіки тренували свою спостережливість, вчилися відстежувати звіра, маскуватися, тобто в танці відбувалася психологічна та фізична підготовка, що сприяло удачу у полюванні.

Що стосується жіночих обрядів, то вони належали до найбільш поширених у мистецтві верхнього палеоліту. З образом жінки у своїх формах були пов'язані обряди вогню та продовження роду, рослинних сил природи, розмноження тварин та мисливської удачі. У деяких племен південно-західної Африки велику процесію зі смолоскипами вогню, що влаштовується під час невдалого полювання, очолювала лише Велика Жінка. Крім жіночих танцювальних обрядів, пов'язаних із культом родючості, широко були поширені танці, в яких жінки втілювалися в образ тієї чи іншої корисної для племені рослини.

Військові танці жінки виконували або зі зброєю в руках, іноді кидаючи його вперед (що символізувало переслідування ворога, що біжить) і назад (що мало на меті віддалити своїх чоловіків від небезпеки). Нерідко ці танці виконували з обрядовими білими віниками, зробленими з хвоста буйвола чи коня, - жінки широко розмахували цими предметами протягом усього танцю (щоб чоловіки «сміли» своїх ворогів із землі). Військові танці за всіх часів були найбільш значущими обрядовими діями племені. Їх виконували без перерви, день і ніч, доки чоловіки не поверталися з походу.

Найдавнішим і повсюдно поширеним символічним знаком у пластиці танцю було коло. Побудова в коло вважалося оберегом від злих сил і гарантувало результат обряду. У мисливських танцях коло означало облаву, у землеробських - символізувало родючість. У колі лікували та одружували. Однак коло – не єдина відома форма масових танців. Широко поширеною формою виконання танців, особливо військових, були лінії. У танцях стародавніх відтворювалися і такі складні фігури, як лабіринт і малюнок змії, що повзуть.

Для первісної людини дійсність і вигадка були рівнозначними. І невипадково обрядові дії могли тривати кілька тижнів - отже, це було життєво необхідно!
Але поступово ритуальне початок, де танець мав глибинне значення, починає витіснятися суто тілесним, розважальним. Так відбувався плавний перехід від первісного танцю до античного.

У Греції танцювали усі: від селян до Сократа. Танці як входили до освітніх дисциплін, але їм охоче продовжували навчатися і дорослі люди. Усі танці античності виконувались для глядачів, а чи не для задоволення і власної розваги. Передбачається, що загальна кількість давньогрецьких танців становить понад двісті. Умовно їх можна класифікувати за п'ятьма групами:
- войовничі танці - ритуальні та освітні;
- культові помірні - еммелія, танець покривал та танці каріатид, а також танці при народженні, весільні та похоронні;
- оргіастичні танці;
- танці громадських свят та театральні;
- танці у побуті.

Дамо характеристику найбільш значущим групам танців:

А) Войовничі танці
«Пірр» є одним із найяскравіших войовничих танців. Він відомий був також під назвою «пірріхій», «пірріха». Зародився він у Спарті. Починали навчатись цьому танцю з п'яти років. По суті пірріха – це віртуозний танець із мечами та щитами. Пірріха входила до числа улюблених бенкетних розваг, особливо коли вона виконувалася танцівницями.

Б) Культові танці
Еммелія є дуже спокійним танцем у повільних ритмах, типу хороводів і фарандол.

Танець покривав і танець каріатид жвавіші. Каріатиди і є ті танцівниці, які вперше застосували у своїх танцях техніку танцювань на «пуантах». Справді, пуанти в античності застосовувалися, але вони були схожі на сучасні. Античні пуанти - це стійка на кінцях пальців, але босоніж, без будь-якого спеціального взуття. Так танцювали й чоловіки.

В) Театральні танці
Кожен із трьох видів театральних вистав класичної доби мав свій танець: для трагедії характерна емелья; для комедії – кордак; для сатиричної драми – сикканіда.

Танцями як видовищними розвагами завідували міми (скоморохи, клоуни, акробати, жонглери). Жоден бенкет багатих і поважних громадян не обходився без них. Перелічимо характерні риси віртуозного танцю міма:
- техніка побудована на виворітності ніг;
- практикувалися танці на пуантах та різноманітні стрибки;
- улюблена манера - різкий поворот корпусу в перпендикулярну ніг площину;
- для танцівниць типові акробатична кубістика (танець на руках у різних позах) і віртуозна пірріха;
- популярні танці з кубками та кошиками;
- характерним прийомом у грецьких танцях є відгинання кисті руки під прямим кутом нагору.

У греків існувала також ціла система, складна техніка гри руками в танцях – хірономія. Руки завжди говорили умовною мовою, ключ до якої, на жаль, сьогодні втрачено.
Ритуальні танці в Стародавній Греції дуже різноманітні, але умовно поділяють їх на два основні танцювальні культи: «світлий» на честь бога Аполлона і «темний» на честь бога Діоніса. Залишки давньогрецьких ритуальних танців на честь Аполлона та інших світлих богів ми можемо спостерігати у звичайному дитячому новорічному хороводі. Відмінність лише тому, що предметом поклоніння не статуя, а ялинове дерево. Кореневий зв'язок цих обрядів сягає глибокої давнини, коли було прийнято проводити ритуальне очищення перед настанням Нового Року. Однак в античному світі були й інші танцювальні обряди, що концентрували в собі якраз усе те, що виганялося з урочистого аполлонічного культу: буяння жестів, перевага тіла над духом. Все темне і непристойне виплескувалося назовні у святі, присвяченому Діонісу, богу родючості.

Розвиток танців у Стародавньому Римі, його на відміну від давньогрецького танцю.

У той час, як Греція святкувала кожну урочистість найрізноманітнішими танцями, у древніх римлян у ході були лише войовничі та дикі танці. Якщо стародавні греки поєднували і розумовий, і оргіастичне початок у різних видах своїх танців, то древні римляни за всіма ознаками відрізнялися раціональнішим складом розуму. Це може підтвердити ту обставину, що будь-яких докладних свідчень про давньоримські танці майже зовсім не залишилося.

Аналіз культури Стародавнього Риму показує нам чіткий поділ її на культуру «еліти» та культуру простих мас людей. Це, безперечно, знайшло своє відображення й у розвитку танцювальної культури. Якщо про танці еліти ми не маємо якихось відомостей, то про танців рабів зустрічається багато згадок. Лише пізніше, за царювання Нуми Помпілія, німфа Егерія дала римлянам нові правила нових танців. Це були салійські танці, для виконання яких вибиралися серед представників почесних пологів дванадцять жерців, - вони мали танцювати в храмах, прославляючи богів і героїв.
Крім цього в Римі розквітала і пірріха. Щоправда слово «пірріха» набуло тут нового значення - так став називатися ансамблевий танець взагалі, на противагу сольним.

В Етрурії, більш цивілізованій, вже задовго до заснування Риму процвітали всі мистецтва, - там були чудові мімічні актори і існували найрізноманітніші танці. З цієї країни прибули до Риму танцівники, що акомпанують своїм химерним танцям на флейтах, - їх називали гістріонами (від слова "histor", що означало "міфічний актор"). Під час своїх уявлень вони декларували цілі поеми, і вся римська молодь почала наслідувати їх. Римляни найбільше полюбили пантоміму: їм все ж таки занепало оргіастичне початок діонісійських свят, а від аполлонічних ритмів вони залишили лише культуру красивого жесту (давньоримська міміка використовується майже в незмінному вигляді і досі). Пристрасть римлян до пантоміми і захоплення деякими виконавцями доходило доти, що за царювання Августа весь Рим був ніби розділений на два ворожих табори: одні були прихильниками знаменитого танцюриста і повз Пілада, інші визнавали лише Бафіла.

Надалі, зі зростанням Римської імперії, вплив Греції та Сходу призвело до розвитку в давньоримському суспільстві танцювальної культури та навіть до появи шкіл танців. Найімовірніше, їх першими засновниками були міми.

Значення та різновид танцю в Стародавньому Єгипті.

Пам'ятки мистецтва і літератури, що дійшли до нас, доводять, що танець у Давньому Єгипті мав важливе значення. Майже жодне свято, жодна урочиста релігійна церемонія не обходилася без танців. Танець панував у Єгипті як вираження радості, був синонімом до слова «радість». Серед назв танців стародавнього Єгипту найчастіше зустрічаються такі, як ib, mww, tereb, nebeb, зображення яких добре збереглося на рельєфах. Детермінантом усіх танців є постать людини з піднятою рукою та ногою. Стрибок mww, мабуть, виконувала і функції похоронного танцю.

Танцювальними ритуалами було оточено більшість священних давньоєгипетських культів. Граціозно – урочистими були уявлення, пов'язані з міфом Осіріса та Ісіди, які тривали кілька днів поспіль. До подібних культових дій належать також танець, який супроводжує служіння жінок перед священним єгипетським биком Апісом. Богами - покровителями веселощів, музики та танців у єгиптян, крім Хатор, були також Нехемаут і бородатий карликоподібний Хатій (він зображався танцювальним і граючим на музичних інструментах перед богинею Хатор). Очевидно, вже за доби Стародавнього Царства релігійного танцю карликів грали визначну роль єгипетських ритуалах і цінувалися дуже високо. Існували в Єгипті і так звані астрономічні танці жерців, які зображували рух різних небесних тіл, гармонійно розподілених у Всесвіті. Спробуємо коротко описати цей унікальний, на наш погляд, танець. Він проходив у храмі: навколо вівтаря, поставленого посередині і що представляє сонце, плавно рухалися і кружляли одягнені у яскраві сукні жерці, що становлять знаки зодіаку. За поясненням Плутарха, спочатку вони рухалися зі сходу на захід (нагадуючи рух неба), потім із заходу на схід (наслідуючи рух планет), потім зупинялися на знак нерухомості землі. Цей танець є наочним прикладом того, як різні танцювальні ритуали формували у людей не тільки уявлення про планетну систему і про гармонію вічного руху (як у даному випадку), а й загалом визначали духовний розвиток кожного народу.

Зважаючи на ту важливу роль, яку грав танець у єгипетських ритуалах, ми можемо зробити висновок про те, що в Єгипті існували особливі заклади, де готували танцівниць. На підтвердження цього ми зустріли кілька вказівок на те, що при храмі Амона була своя хореографічна школа, що випускає жриць-танцівниць.

Поряд з танцями, що складаються з гармонійних ритмічних рухів, в Стародавньому Єгипті були дуже поширені танці, які є безпосередніми вправами в спритності, гнучкості, і часом абсолютно переходять у суто гімнастичні вправи. Щодо костюма, ми знайшли лише відомості про те, що танцівники носили короткий фартух, іноді навколо талії йшов пояс, який зав'язували петлею. Жінки ж танцювали або оголеними, або у довгих та прозорих сукнях. Але в ритуальних танцях танцівниці мали бути в одязі (так висловлювали повагу священній тварині або божеству). Руки та ноги танцівниць завжди прикрашалися браслетами, груди – намистом, голова – стрічкою або квіткою лотоса. Ми також маємо інформацію про те, що танцювали в Стародавньому Єгипті під акомпанемент музичних інструментів (арфи, ліри, лютні та подвійної флейти), співи та бавовни в долоні.

У Новому Царстві панував танець, який досі дуже поширений на сході – танець альмей, який танцювали у довгих прозорих сукнях із бахромою під звуки тамбурину чи кастаньєту.

Розглянувши, таким чином, розвиток, і визначивши значення танцю в основних державах античності, ми наочно переконалися, що танець був необхідність духовного розвитку кожного народу.

Національні танці Іспанії та Індії як відображення національного характеру цих країн.

Національні танці нерозривно пов'язані з особливістю національного характеру будь-якого народу. Недарма Лев Миколайович Толстой писав: «в танці душа народу». Звідси ми можемо зробити висновок: для того, щоб розгадати душу якогось народу, достатньо лише докладно ознайомитися з його національним танцем. Спробуємо з прикладу двох країн: Іспанії та Індії, через національні танці розглянути національні душі народів цих країн.

Максиміліан Волошин на початку ХХ століття писав: «Іспанія танцює завжди, танцює скрізь. Вона танцює обрядові танці на похороні біля труни покійника; вона танцює в Севільському соборі перед вівтарем; танцює на барикадах і перед смертною карою; танцює вдень та вночі…».

Ми не можемо говорити про іспанські танці загалом, оскільки фольклор кожної провінції надзвичайно своєрідний і неповторний. Так, наприклад, північно - іспанські баски мужньо - суворі та архаїчні, кастильці ж стримано - напружені, арагонці, навпаки, заразливо - веселі та прямолінійні, але особливою пристрастю відрізняються танці півдня Іспанії - Андалусії та Мурсії. Але й такі танці, які були єдиними для країни. До таких танців ставився передусім танець фанданго. Він є національним мотивом Іспанії. Музика фанданго мала величезну владу над душею та серцем кожного істинного іспанця, немов іскра спалахувала вона їхні серця. Починався танець повільно, але поступово пришвидшувався. Одні танцюристи озброювалися кастаньєтами, інші просто клацали пальцями, жінки відбивали такт підборами під звук гітар та скрипок. Фанданго танцює в три па, швидко, подібно до вихору, дуже характерно і темпераментно. Класичний фанданго являв собою парний танець, побудований на грі партнерів, в якій заборонені будь-які торкання, на суперечці, змаганні, що полягає в наближенні та видаленні танців один від одного, тут велику роль відіграє виразність очей та жестів.

Розглянемо коротко інший національний танець - болеро. Цей танець з'явився лише наприкінці XVI століття і був придуманий Себастьяном Серцем (знаменитим балетмейстером за царювання Карла III). Болеро є своєрідним іспанським балетом, який повільно, але невідступно стверджує свої позиції в канонах класичного танцю. Казали, що «фанданго спалахує, а болеро сп'янює». Звичайно ж, говорячи про іспанські характерні національні танці, ми не можемо не згадати знаменитого фламенко. Він є скоріше не танцем, а цілою групою танців. Фламенко стався із південної провінції Іспанії, Андалусії. Досі не вдається точно визначити значення слова фламенко. Хоча існує безліч версій, найбільш доцільною на наш погляд є те, що «фламенко» походить від латинського слова «flamma» (вогонь), оскільки танець носить воістину «вогненний» характер; спочатку був ритуальним і сходив на час культу вогню. Цікава також версія, що це слово походить із назви птаха фламінго, оскільки костюми танцюристів підкреслюють стрункість фігури, а також химерність рухів цього екзотичного птаха. Сам танець дуже своєрідний, у ньому ми не зустрінемо ні сліду пантоміми, ні конкретної театральної жестикуляції. "Байлаор" (танцюрист фламенко) міг танцювати один, що підкреслювало його незалежність від світу. Усі почуття, притаманні колективного танцю, байлаор висловлював самостійно. Загалом одиночний танець мав на увазі під собою німе колективне дійство. Байлаор же змагається в цьому танці із самим собою, - звідси і виникає дивовижна виразність та пристрасність танцю, глибокі почуття та душевна робота. Особливого значення при виконанні всіх танців фламенко надається рухам рук, які були мовою танцю. Недарма ще Овідій казав: «якщо голос є – співай, якщо м'які руки – танці». Руки жінок у фламенко – гнучкі, виразні, чуйні; пальці перебувають у постійному русі. У чоловіків, навпаки, рухи рук строгі, високі, з чіткою пластикою; вони розтинають повітря як удар меча.

На основі опису основних танців Іспанії ми можемо виявити три головні складові іспанського танцю: горда постановка корпусу, що нагадує матадора, гнучкі та виразні вигини рук танцівниць та сапатеадо (дрібний стукіт каблуків танцюючих). Все це якнайкраще характеризує національну душу іспанського народу, надзвичайно пристрасного, виразного, емоційного, гарячого і темпераментного.

Особливості розвитку танцювальної культури Індії (любовна спрямованість).

Згідно з однією з легенд, танець в Індії зародився завдяки богу Шиві руйнівнику. Сам Шива був чудовим танцівником і навчив свою дружину Парваті мистецтву танцю, яке любив найбільше. Він танцював тандаву - найбільш енергійну форму, а Парваті - ласью, більш витончену, витончену. Перекази розповідають також, що Брахма, Творець, був дуже стурбований розбратами та безладдям, що панували на Землі. Оскільки чотири Веди зберігалися брахманами у суворій таємниці, він вирішив створити п'яту Веду, доступну всім. Мистецтві театральної дії, якому було присвячено Натьяведа, Брахма спочатку навчив мудреця Бхарату. Бхарата показав своє триєдине мистецтво – драму, музику та танець – Шиве. Згадавши свій власний енергійний танець, Шива наказав головному помічнику зі своєї почту навчити Бхарату мистецтву тандави. Бхарата поєднав це мистецтво з пізнаннями, що вже були в нього, і написав «Натьяшастру», що вичерпує працю з мистецтва театру. Бхарата та інші мудреці розповсюдили це мистецтво серед народів Землі.

Таким чином, ці перекази чітко визначають зв'язок мистецтва танцю, музики та драми з божественністю та безсмертям. Ми і зараз можемо помітити, наскільки сильно в Індії класичний танець співвідноситься з релігією та міфологією. Це найяскравішим чином відбивається у виборі втілюваних тем, а й у манері виконання танцю. Що у свою чергу безпосередньо впливає на формування духовного життя в Індії.

Центральним мотивом вишнцитського культу протягом століть було прагнення людини до єднання з божеством. Боги відповідали не лише взаємністю, а й «індивідуальним підходом». Танець ріас - ліла, що виконується в Браджі, місцевості в області Матхура, штат Уттар - Прадеш, де за переказами, народився і жив Крішна, зображує здатність Крішни створювати у кожної з гопі (пастушок), що танцюють по ньому, ілюзію того, що тільки вона одна танцює з ним. Так виражалася традиційна для духовного життя Індії алегорія наближення смертної душі до божества з довірою та любов'ю. Ріас - ліла - чудовий танець, його виконують і сьогодні під відповідні піснеспіви.

Це багатоликі індійські божества з численними пов'язаними з ними історіями та становлять тематичну основу індійського танцю. У танці не просто викладаються події, а й розкриваються їхня символічна сутність і стверджується віра - силою вірша, музики та руху. У всіх форм класичного танцю в Індії є два аспекти: Нрітт і Нрітт. Нритья можна охарактеризувати як чистий танець, тобто абстрактні рухи тіла, узгоджені з хастами (жестами рук). Нритья - це поєднання чистого танцю із сюжетним. Але сюжетний танець тут дуже відрізнявся від пантоміми. Це не просто імітація людської поведінки. Окрім нритти та нріті в танцювальній традиції Індії є і третій аспект. Це натя, тобто уявлення з дії та жестикуляції з танцем і без нього. Загалом це вид драматичного мистецтва. Всі ці три аспекти вважаються, проте, тісно пов'язаними один з одним. Говорячи про танцювальне мистецтво, на наш погляд, необхідно відзначити одну з найяскравіших рис розвитку культури Індії загалом. Це глибокий зв'язок між різними видами мистецтв. Якщо музика, танець і драма були виключно близькими до танцювальної культури, то й література, живопис, скульптура і навіть архітектура теж не були відірвані чи ізольовані від танцювальної традиції. Роль літератури в танці була і продовжує залишатися надзвичайно важливою, оскільки, наприклад, нритья є тлумаченням танцем віршів. В Індії існує навіть цілі поеми, спеціально написані для виконання у танці. Найкращий приклад, з погляду, класичний твір санкритської літератури XII століття «Гіда - Говінда» Джаядевы. Оскільки танці спочатку займали велике місце у храмових ритуалах, архітектор на території храму передбачав спеціальний майданчик. У знаменитому храмі Бріхадішвара в окрузі Танджавур, штат Тамілнад, є великий зал, збудований виключно для танцювальних вистав. У храмі Сонця в Канараку, штат Орісса, є величезний і хитро прикрашений зал Танцю, Ната Мандал, близькість якого до моря надає йому неземну красу.

Стіни храмів у різних частинах Індії, особливо на півдні та в Оріссі, прикрашені різними фризами та панелями із зображенням танцівниць та музикантів.

Основні різновиди бальних танців у XVI – XVII століттях

У комедії Шекспіра «Багато шуму з нічого» одна з дійових осіб, на наш погляд, блискуче характеризує основні танці, що існували на рубежі XVI – XVII століть: перше палко і поспішно, як шотландський жиґ, і так само повно уяви; шлюб - чинно скромний, як спокійний танець, сповнений гідності та старовини; а потім настає каяття і своїми розвиненими ногами припадає в гальярді все швидше і швидше, доки не впаде в могилу». Такими були основні напрями танців межі XVI - XVII століть. Слід зазначити, що й до кінця XVI століття і частково XVII столітті панували партерні, «низькі» танці (басданси), які вимагають від виконавців стрибків - бранлі, павани, куранти, далі розпочалася епоха легких «летких» французьких танців.

1. Бранль.

Школа бальних танців формувалася за доби відродження і вважатимуться, що бранль, як народний, і салонний, став основним початком подальшого розвитку танцювального мистецтва. Цей танець спочатку був народним, а бальна його форма народилася з цієї селянської та відрізнялася лише великою кількістю реверансів, плавних рухів, тоді як у народному бранлі переважало відстукування. Основні рухи бранля увійшли в паванту, куранту та гавот. Музичний супровід цього танцю складався з досить одноманітних ударів тамбуринів, звуків флейти та монотонного співу танцівників. Якщо люди похилого віку любили танцювати повільний подвійний бранль, люди середнього віку танцювали бранль з репризою, то молодята воліли веселий бранль з підстрибуванням і виносами ніг вперед у повітря. Таким чином, простий бранль став джерелом всіх салонних танців, що з'явилися пізніше.

2. Павана.
Павана - один із найстаріших відомих нам іспанських танців. Павана і куранти у XVI столітті були основними та найулюбленішими танцями. Тільки поява менуету змусила забути спочатку куранту, а потім паванту. Вважається, що паван має італійське походження, оскільки Катерина Медічі була покровителькою всього італійського. Основною заслугою павани, на наш погляд, вважається те, що в ній вперше громадські танці набули певних форм, характеру та стилю виконання. До павани численні бранлі відрізнялися одна від одної лише назвами. У павани була і певна мета - показати суспільству величність танців та багатство їхніх костюмів. Рух павани являли собою хід пави, що красується. Ще одна відмінність павани від бранля полягала в тому, що фігури павани починалися з початку музичної фрази, тоді як у бранлі існував лише темп. Павану танцювали одночасно одна чи дві пари, існував також суворий порядок їхньої черговості залежно від походження та суспільного становища. Відкривав бал король та королева, потім інші знатні особи.

3. Менует.
Жоден танець XVI - XVIIстоліття не користувався такою популярністю, як менует, що є загальновизнаним зразком салонного танцювального мистецтва. Протягом кількох століть менует то піднімався на вершину танцювальної слави, то зазнавав тимчасового забуття, але ніколи остаточно не витіснявся іншим танцем. Історики танцювального мистецтва кажуть, що «менует – це танець королів та король танців». На рубежі XVIII століття аристократичне суспільство своє ставлення до менует виражало в такій фразі: «хто добре танцює менует, той все робить добре». Основною рисою виконання менуету були церемоніальність, галантність та урочистість. Крок менуету був дуже плавним і один рух випливав з іншого. Па грав (Pas grave) – що означає «важливий, величний крок» – один із основних танцювальних елементів менуету. У XVIII столітті, за часів бароко, з'являється динамічніший, «швидкий менует». Але дещо іншим зображується менует на балах ХІХ століття. У цих сценічних менуетах, як і в знаменитому менуеті з «Дон-Жуана» Моцарта, який завжди вважався класичним зразком цього танцю, ціла низка танцювальних положень не відповідає справжньому менуету XVII століття. Що, на нашу думку, анітрохи не применшує принад сценічного менуету, а навпаки свідчить про величезне пластичне багатство цього танцю. Переживши багато епох, менует, на жаль, не дійшов до наших днів, і ми можемо лишень спостерігати цей танець на театральній сцені.

Таким чином, докладно зупинившись на описі основних бальних танцях XVI - VII століть, ми наочно переконалися в тому, що серед найважливіших рис танців цього часу можна виділити такі, як плавність, розміреність, важливість, що природно було характерно для ідеології всього життя того часу .

Становлення та розвиток танцювальної культури в Росії

Поняття про «танець» російським дали поляки, які прибули в Смутні часи до Москви з Дмитром Самозванцем. До цього на Русі «салонних танців», як у Європі, був. У теремах водилися жіночі хороводи, а народі процвітали танці. Взагалі, ставлення до танців було настороженим. «Скаворошені забави», сполучені з танцями, вважалися «душогубним винаходом диявола», «бісовою грою».

За Михайла Федоровича Романова для царської потіхи запрошувалися розважальники - німці і поляки, у тому числі були і танцюристи. У 1673 році в комедійній палаті в Кремлі було дано «Орфей» - п'єса зі співом та танцями. У пролозі Орфей співав хвалу цареві, а потім танцював із двома пірамідами. В цей час любов до танців розвивалася не тільки за царського двору, а й серед знатних московських людей, які влаштовували свої домашні театри (боярин Морозов, князь Голіцин, Долгорукий).
Молодий цар Федір, який змінив Олексія Михайловича, не був любителем розваг. Любов до танців підтримувала лише правителька Софія, яка збирала у своїх хоромах дівчат та «влаштовувала танці».

Перелом стався за Петра I. Після заміни довгих чоловічих костюмів на короткі камзоли російські танці пішли з придворного побуту. Натомість Петром були введені іноземні танці. За указом царя під страхом жорстокого покарання всім російським дівчатам було наказано танцювати. Російські жінки і кавалери навчилися менуету, полонезу і контрдансу у полонених шведських офіцерів. Сам Петро, ​​його дружина Катерина та дочка Єлизавета брали участь у танцях та робили це, за словами сучасників, досить граціозно. Ставлення до танців у цей час було скоріше як до серйозної, майже «державної» справи, що позначалося на всьому порядку танцювальних ансамблів.

Отже, у цей час у Росії «нешкідливі» здавалося б танці, перетворилися на своєрідне знаряддя соціальної боротьби з «реакційним боярством». Невміння танцювати стає ганебним, тож бояри починають виписувати собі вчителів (танцмейстерів). На асамблеях було встановлено строго розроблені правила поведінки, манера спілкування з жінкою в танці і навіть у поклонах. Там були також швидкі танці, у тому числі імпровізаційного характеру. Казали, що й сам Петро любив змінювати фігури, спеціально лякав і потішався з тих, хто не вміє танцювати.
Однією з обставин, що характеризують ставлення до танцю, є те, що тепер танцювальні рухи вже ніяк не обумовлювалися: ні ритуалом, ні просто природною людською тілесністю, тому, на наш погляд, і виникає глухе почуття протесту проти зобов'язань, що нав'язуються ззовні.

Введення Петром I балів («асамблей») викликало невдоволення людей старшого віку та величезний інтерес у молоді. Так як російський побут допетровської епохи складався день у день досить сумно: основним заняттям було ходіння до церкви і потім сидіння в теремі. Громадські розваги не практикувалися, лише весілля відрізнялися незвичайною пишністю. Цікаво, на наш погляд, те, що у росіян так і не з'явилися парні танці, це, на нашу думку, можна пояснити особливостями православної віри, де ніколи не було культу Богоматері, як у католицтві. Крім того, православ'я пред'являло до людини суворіші моральні вимоги, тому вихід тілесної енергії був неможливий у явній, відкритій формі. Ставлення до діонісійських танців на Русі було дуже строге, вони вважалися великим гріхом. Петровські ж реформи зробили життя суспільства більш гармонійним: не треба було приховувати свого бажання розважитися, навіть це бажання ставало на чільне місце у забезпечених людей. Найбільш поширеними танцями на петровських асамблеях були менует, павана, куранта та інші. Але Петро вважав їх дуже нудними і винайшов свій танець, набагато жвавіший. Згодом, за Анною Іонівною, в моду увійшли не тільки іноземні розваги. Імператриця любила і російські танці («бичок» чи «камаринська»).

Громадське життя в XIX столітті, її відображення у розвитку танцювальної культури.

Порівняно з попередньою епохою XIX століття надало особистості набагато більшу свободу у виборі свого життєвого шляху. Визволення відбулося і на чисто духовному рівні. Ідея бога у ХІХ столітті поступово згасає. Світське життя, яке стало настільки популярним у попередню епоху, витісняє церковне настільки, що про Бога згадують лише по неділях. Ідеали суспільства знову повертаються у бік індивідуалізму. Романтична рвучкість, тяжіння душевної неволею, прагнення іншим, вищим ідеалам, притаманні суспільного настрою у період, яскраво виявилися й у танці. Королем усіх танців стає вальс, що є способом розкріпачення від умовностей, які, як і раніше, були основним суспільним життям.

У ХІХ столітті відбувається поступове згасання французької танцювальної салонної школи. Так, легкі стрибки, які вважалися обов'язковими у XVIII столітті, поступово змінюються простими кроками. На балах з'являється посада «танцювального диригента» («розпорядника»), який був своєрідним командиром, який стежив за проведенням балу. Відкривати бал прийнято було вальсом, перший тур якого надавалися найбільш почесним особам з числа запрошених, якщо господарі вечора не надавали цієї честі самому розпоряднику.

У XIX столітті в Петербурзі придворні бали проводилися в Зимовому та Анічковому палацах і мали величезну популярність. Починався бал із полонезу, який змінював менует. Не обходився бал і без мазурки, і, звичайно, вальсу. У цей час з'являється ще один танець, успіх якого затьмарив популярність решти - полька. Завершувався бал танцем – грою котильйоном, свого роду прощальним виступом усіх учасників.

Зупинимося докладніше на вальсі.

Вальс у відсутності жодної риси модного салонного танцю. Крім того, до вальсу не було салонного танцю, де б даму обіймали за талію, дивлячись їй у вічі. І саме у вальсі дама і кавалер вперше стають єдиною парою, що танцює. Проти вальсу були офіційні та неофіційні виступи. У Відні перше десятиліття ХІХ століття заборонялося танцювати вальс понад десять хвилин. На балах, що давалися у палацах німецьких кайзерів, вальс був під забороною протягом майже всього XIX століття, оскільки вважався «чуттєвим та непристойним танцем». Консервативне англійське суспільство допустило вальс на чверть століття пізніше ніж більшість інших європейських країн. У Росії вальс також зазнавав гонінь. Його не злюбила Катерина II, а за Павла I було опубліковано поліцейський припис, який забороняв «вживання танцю, вальсеном іменованого». Але все це тільки збільшило потяг до танцю, і ХІХ століття пройшло під символом вальсу, його танцювали у всіх колах суспільства. Вальс вплинув на розвиток усієї європейської музики XIX і XX століть.

Сорокові роки ХІХ століття були часом бурхливого захоплення полькою у Парижі, а й у Європі, зокрема у Росії. Оскільки танцювали буквально все і всюди, незалежно від віку та громадського стану.

Наймодніші туалети, страви називалися a la Polka. Англійські газети тоді навіть жартували, що політика відійшла на задній план, поступившись місцем польці.
За Катерини II в Росії вперше з'являється мазурка, але тоді вона майже не мала успіху. Тільки на початку XIX століття цей танець набуває у російських містах великої популярності. На той час мазурка набуває широкого поширення і в інших європейських країнах, особливо в Чехії, Угорщині та Франції. У Росії існувало дві мазурки: салонна та народна. Модні французькі танцмайстри надавали народному танцю салонного характеру та необхідного лиску. У цьому варіанті мазурка та танцювалася у найвищому петербурзькому світлі. Мазурка поступово витісняла французьку кадриль і ставав апогеєм балу, знаменуючи собою його кульмінацію.

Можна сміливо сказати, що з появою канкана починається нова танцювальна епоха. Канкан виникає у Парижі, приблизно 1830 року. Це був жіночий танець, що виконувався на сцені, супроводжуваний високим скиданням ніг. У 1860 роках у Петербурзі відкривається безліч танцкласів, де танцювали переважно канкан.
Отже, докладно розглянувши найпопулярніші танці ХІХ століття, і, наочно простеживши відбиток життя у танцювальній культурі на той час, ми можемо зробити висновок про значення танцю у той епоху. Основним завданням танцю, на наш погляд, була підтримка культури тіла нарівні з культурою духу. Але на відміну від ранніх епох, культура тіла не мала на увазі духовну, релігійну основу, а розвиток культури тіла ставало все більш і більш самоціллю танців.

Розвиток танцювальної культури Росії у першій половині ХХ століття.

До XX - го століття в Росії налічувалося вже близько 17 танців, серед них найбільшою популярністю користувалися такі як: полька, угорка, міньйон, фанданго, фігурний вальс, мазурка та багато інших. До XX століття багато що в танцювальній культурі змінюється. Змінюється насамперед якість танцювального виконання, змінюється основа, шлях, яким пішов розвиток світового танцювального мистецтва. Після тисячолітньої перерви Олімпійські ігри знову стають надзвичайно популярними, а звідси відбувається зближення танцю і спорту, зростає ступінь динамічності танців, що з'являються: танго, фокстрот, твіст, рок - н - рол.

Після зникнення балів, як форми масового проведення часу в XIX столітті, частково їх функції починають замінювати ресторани (напевно тому, що і на балах не лише танцювали, а й вечеряли). Так у другій половині XIX століття ресторани поєднували в собі і кухню, і частенько театр (у Росії, наприклад, ресторани: «Яр», «Стрільна», та багато інших). Французькі ресторани кінця XIX століття були відомі своїм кабаре з його статтю пристойним жіночим танцем, танцівниці якого, на наш погляд, мали чимало спільного з танцівницями Стародавньої Греції та Риму. Наявність такої розваги, його доступність вплинули на суспільне життя того періоду, на всю танцювальну культуру початку XX століття.

Початок XX століття в танцювальній культурі можна охарактеризувати словами: «у пошуках стилю», оскільки на той час усе старе руйнувалося, а нове було туманним і неясним. І для визначення стилю цієї епохи танець грав значну роль, тому що в ній, на нашу думку, з надзвичайною яскравістю відбивались естетичні устремління свого віку, він був своєрідним мостом між світом повсякденного та світом фантазії. Перелом у політичному житті початку XX століття, спричинив і перелом у творчому житті цього періоду. Це не могло не позначитися і на танці. Справжнім переворотом у танцювальному житті цього періоду стала поява танцю танго. Танго був бальним, салонним танцем, а не танцем естради. Для виконання цього танцю був потрібен бездоганний фрак і стильна, обтягнута сукня, оскільки цей танець за своїм характером був дуже строгий і не допускалися будь-які вільності. Танцюрист танго нагадував собою туго натягнуту тятиву, зі стабільною мімікою, максимальною нерухомістю тіла. У цьому основна відмінність танго від попередніх танців, у яких був присутній біг, стрибки, підстрибування, загалом усе те, що виводило тіло з його стриманого стану.

Танго було засноване на ритмізованому ході, що на наш погляд, і стало причиною такої великої популярності цього танцю, оскільки тепер танцювати могли всі, навіть ті, хто не міг до цього «стрибати козлом» по залі. Отже, ми можемо дійти невтішного висновку, що танго стало визначником стилю всієї танцювальної культури першої половини ХХ століття.

ХХ століття триває …

Набридлі старі танці, соціальний клімат, що змінюється, бажання молоді знайти і реалізувати свій, відмінний від інших стиль - все це призвело до надзвичайного зростання різних напрямків танцювальної культури в XX столітті. Можна сказати, що у XX столітті танці вперше набули такого небаченого розмаху, перетворилися на масовий вид дозвілля. І навіть найпопулярніші бали ХІХ століття не можуть, на наш погляд, зрівнятися з такою потужною танцювальною «епідемією», яка наздогнала нас у XX столітті. Реп, хіп – хоп, брейкданс, рейв, хаус, техно, транс – це лише невелика частина тих напрямків, які охопили весь світ у другій половині XX століття.

Ще Платон говорив: "Природа всіх молодих істот полум'яна і тому не в змозі зберігати спокій ні в тілі, ні в голові, а постійно кричить і безладно скаче". На наш погляд, ці слова якнайкраще можна віднести до опису духу танцювальної культури кінця XX століття. В цілому духу цього часу притаманні темпераментність і динамічність. І зараз уже можна з упевненістю сказати, що більшість сучасних танців переросли у види спорту. Це, звичайно ж, пов'язане і з духом часу, недарма спорт, олімпійські ігри у XX столітті здобули своє друге народження. Ще одним важливим фактором зближення танцю та спорту для жінок стала, на нашу думку, зміна еталонів краси. На зміну вгодованим красуням XIX століття приходять худорляві манекенниці. Багато жінок, дівчат танцюючи на дискотеках, або відвідуючи тренування в якій-небудь танцювальній студії, мають насамперед мету скоригувати свою фігуру, схуднути.
Щодо молоді, головним критерієм при виборі танців тут стала свобода, можливість самовираження. Одним з танців, який якнайкраще надав цю свободу молоді став хіп-хоп.

Сучасний хіп - хоп включає три напрями: реп, брейкданс і графіті. Він вимагає особливий стиль одягу та особливу думку. Цей танець доступний усім і кожному, він допомагає, на наш погляд, підліткам трансформувати свою агресію у творчість.

Ще одним танцем, що допомагає зняти нервову напругу, став рейв. Вважається, що навіть індіанці після укусу скорпіона починали танець, схожий на сучасні танці, який тривав кілька годин - до повної знемоги. Цей метод приносив одужання. Схоже ми зустрічаємо у рейві. Рейв (у перекладі з англійської - «шаленство, суєта, каша») народився в Голландії в 1985 році. Спочатку рейв розрахований тих, хто вживає наркотики. У рейві з'явилося безліч різноманітних стилів музики, танець у стилі рейв дуже швидко ввібрав багато чого, що було до цього напряму.

Найбільш відомі такі стилі, як "транс", "техно", "хаус", "Deep house".

"Транс" - це космічна музика з плавними рухами, і прагненням м'яко вийти зі своєї оболонки.
"Техно" - тут рухи жорсткі, фіксовані, багато імпульсів на руки, ноги, всі рухи широкі та чітко окреслені.
"Хаус" - у ньому немає чітких, різких рухів, вони більш розмиті; музика – фізіологічна, весь ритм розрахований на рухи тіла. Цей танець дає велику імпровізацію.

І звичайно ж, говорячи про кінець XX століття, ми не можемо не згадати про такий напрямок у танцювальній культурі, як брейкданс. Насправді брейкданс - це метал танцю, пантоміми, боротьби, боксу. Вірною, на наш погляд, є думка про те, що брейк виховує не тільки тіло, а й характер. Він вимагає величезної витривалості та терплячості, оскільки більшість елементів брейку потребують багаторазового повторення. Вважається, що брейк народився на нью - йоркських бруківках, а його творцями стали два ворогуючі угруповання, яким одного разу набридло боротися між собою за допомогою вогнепальної та холодної зброї і вони вважали за краще змагатися у немислимих танцювальних па. Напевно, саме тому спочатку брейк ґрунтувався на різних видах боротьби – карате, кун фу, бокс. Поступово до них додавалися плавні рухи рук та ніг. Кожен прагнучи стати кращим додавав все більш складні акробатичні елементи. Можна припустити, що це виглядало приблизно так: вишиковувалися два угруповання, спеціально одягнені для боротьби, але без зброї, потім включалася музика і починався брейк. Переможцями ставали витриваліші, спритніші, швидші та гнучкіші. Поступово цей танець привернув увагу хореографів. Сам брейк виконується або на підлозі (перекиди, різні повороти на спині), або близько до підлоги, а брейкданс включає ще в себе і різні хвилеподібні рухи рук і тулуба.

Отже, розглянувши кілька найяскравіших, на думку, танцювальних напрямів, ми, з прикладу цих танців, можемо зробити висновок про своєрідність художньої культури кінця ХХ століття. Ви, звичайно, помітили, що найбільш характерними рисами художньої культури цього періоду стали свобода і прагнення і самовираження, а також неординарність, пошук чогось нового і незвичайного.

В цілому, кінець XX століття є, на наш погляд, величезним потенціалом для розвитку художньої культури в усіх її напрямках і в танці зокрема.